quinta-feira, 24 de outubro de 2019

O Curso do Império, Desolação (The Course of Empire: Desolation) - Thomas Cole


O Curso do Império, Desolação (The Course of Empire: Desolation) - Thomas Cole
Nova York Historical Society Nova York Estados Unidos
OST - 100x161 - 1836



O Curso do Império é uma série de cinco pinturas criadas por Thomas Cole nos anos 1833 e 1836. É notável, em parte, por refletir os sentimentos estadunidenses populares da época, quando muitos viam o pastorismo como a fase ideal da civilização humana, temendo que o império levasse à gula e à inevitável decadência. O tema dos ciclos é aquele que Cole evocava com frequência, como em sua série A Viagem da Vida. O Curso do Império compreende os seguintes trabalhos: O Curso do Império - O Estado Selvagem; O Estado Arcádico ou Pastoral; A Consumação do Império; Destruição; e Desolação. Todas as pinturas têm 39,5 polegadas por 63,5 polegadas (100 cm por 161 cm), exceto A Consumação do Império, que tem 51" por 76" (129 cm por 193 cm).
A série de pinturas retrata o crescimento e queda de uma cidade imaginária, situada na extremidade inferior do vale de um rio, perto de seu encontro com uma baía do mar. O vale é distintamente identificável em cada uma das pinturas, em parte por causa de um marco incomum: uma grande rocha está situada no topo de um penhasco com vista para o vale. Alguns críticos acreditam que isto significa o contraste entre a imutabilidade da terra e a transitoriedade do homem.
Cole projetou essas pinturas para serem exibidas com destaque na galeria de fotos no terceiro andar da mansão de seu patrono, Luman Reed, na 13 Greenwich StreetNova York. O layout era aproximadamente como mostrado aqui, de acordo com o diagrama de instalação de Cole. A série foi adquirida pela New-York Historical Society em 1858 como um presente da Galeria de Belas-Artes de Nova York.



Sketch of US-american landscape artist Thomas Cole, displaying his wishes for arrangement of the paintings of his series The Course of Empire next to a fireplace in the gallery of his patron Luman Reed.

O Curso do Império, A Consumação do Império (The Course of Empire: The Consummation of Empire) - Thomas Cole


O Curso do Império, A Consumação do Império (The Course of Empire: The Consummation of Empire) - Thomas Cole
Nova York Historical Society Nova York Estados Unidos
OST - 129x193 - 1836

O Curso do Império, O Estado Pastoral (The Course of Empire: The Arcadian or Pastoral State) - Thomas Cole


O Curso do Império, O Estado Pastoral (The Course of Empire: The Arcadian or Pastoral State) - Thomas Cole
Nova York Historical Society Nova York Estados Unidos
OST - 100x161 - 1834

O Curso do Império, O Estado Selvagem (The Course of Empire: The Savage State) - Thomas Cole


O Curso do Império, O Estado Selvagem (The Course of Empire: The Savage State) - Thomas Cole
Nova York Historical Society Nova York Estados Unidos
OST - 100x161 - 1834

Passeio no Parque em Sanssouci, Potsdam, Alemanha (A Promenade in the Park at Sanssouci) - Franz Skarbina


Passeio no Parque em Sanssouci, Potsdam, Alemanha (A Promenade in the Park at Sanssouci) - Franz Skarbina
Potsdam - Alemanha
National Gallery of Art Washington Estados Unidos
Aquarela e guache - 23x30 - 1885

Viaduto do Chá, Theatro Municipal e Theatro São José, São Paulo, Brasil

Viaduto do Chá, Theatro Municipal e Theatro São José, São Paulo, Brasil
São Paulo - SP
N. 60
Fotografia - Cartão Postal

Ford Mustang Convertible 1966, Estados Unidos










Ford Mustang Convertible 1966, Estados Unidos
Motor: 289 CI
Exterior: Vermelho
Interior: Branco
Fotografia

História de Samuel Klein e das Casas Bahia, Artigo

História de Samuel Klein e das Casas Bahia, Artigo
Artigo


Nascido em 1923 no vilarejo polonês de Zakilikof, próximo de Lublin, onde cresceu, Samuel Klein teve uma infância de privação numa Europa ainda em reconstrução depois da Primeira Guerra Mundial. Os pais, sem posses, tiveram nove filhos, e Samuel só pôde cursar os primeiros quatro anos do ensino fundamental.
Com o início da Segunda Guerra, a família judia sofreu com a perseguição nazista. Pouco depois, em 1942, pais e filhos foram presos. A família foi separada. Samuel, o irmão mais novo e o pai foram levados a um campo de trabalho forçado; a mãe e os outros irmãos, encaminhados ao campo de extermínio de Treblinka, onde ela e a maioria deles morreu.
Samuel esteve dois anos no campo de concentração de Majdanek. Conseguiu fugir em 1944 e, terminado o conflito, passou a morar na Alemanha. Aprendeu o ofício do pai marceneiro, mas logo percebeu que ganharia mais atendendo às necessidades das tropas aliadas: vendia vodca a russos e cigarros a americanos.
Foi assim que juntou algum dinheiro para deixar a Alemanha, onde não via perspectiva de melhorar de vida. Em 1952, partiu em definitivo, com a mulher, Anna, e um filho de dois anos, Michael. No fim do ano, depois de uma breve experiência fracassada na Bolívia, chegaram ao Brasil. Samuel tinha uma tia no Rio de Janeiro, mas preferiu morar em São Caetano do Sul, na região metropolitana de São Paulo.
O dinheiro, cerca de US$ 6 mil, deu para comprar uma casa e uma carroça. O meio de transporte veio junto com um cavalo e, mais importante, com uma lista com 200 fregueses do mascate que passou o negócio adiante.
Com essa estrutura precária e sem falar português, começou a revender cobertores e toalhas aos nordestinos imigrantes que chegavam aos milhares à região do ABC para trabalhar na nascente indústria automobilística. Foi só em 1957, quando multiplicou por dez a clientela inicial, que Klein decidiu abrir "o primeiro loja", como dizia, trocando o gênero dos substantivos com um sotaque carregado e inconfundível.
Os fregueses, chamados de "baianos" pelos paulistas, deram o mote para o estabelecimento: Casa Bahia. O singular logo teria que ser corrigido para refletir o número crescente de lojas. Ao longo das décadas seguintes, as Casas Bahia se espalhariam por 15 Estados e mais o DF, somando mais de 500 lojas e cerca de 56 mil colaboradores.
Samuel Klein se tornou o rei do comércio varejista popular, sobretudo de móveis e de eletrodomésticos, área em que foi líder. A grande maioria dos 15 milhões de clientes que atendia por mês comprava a prazo, pagando carnês. A cadeia se expandiu com mais velocidade a partir do Plano Real, em 1994, que, ao controlar a inflação, aumentou o poder aquisitivo dos clientes em potencial das Casas Bahia. No ano seguinte, sintomaticamente, o grupo de rock Mamonas Assassinas fez enorme sucesso com uma música cujo refrão repetia: "A minha felicidade é um crediário nas Casas Bahia".
Samuel Klein acreditava que seus clientes deveriam estar diariamente expostos ao conhecido bordão: "Dedicação total a você". Por isso investia pesadamente em publicidade, algo em torno de 3% do faturamento, o que o colocava com frequência em primeiro lugar no ranking dos anunciantes. No final dos anos 80, teve Pelé como garoto-propaganda.
Depois da forte expansão nos anos 90, com várias aquisições seguidas, as Casas Bahia, em 2009, já então sob a gestão do primogênito de Samuel Klein, venderam o controle da empresa para o Pão de Açúcar.
Samuel Klein gostava do mar, de que desfrutava a bordo de um iate de 61 pés. Salvo essa extravagância, era um homem de hábitos simples, que costumava trabalhar de sandálias franciscanas, quando não tinha compromissos fora da empresa. Por mais de cinco décadas, teve dedicação total às Casas Bahia.
Samuel Klein morreu em 2014, aos 91 anos em São Paulo.

quarta-feira, 23 de outubro de 2019

Mulher Arrumando o Cabelo à Beira-Mar (Femme se Coiffant au Bord de la Mer) - Pierre Auguste Renoir

Mulher Arrumando o Cabelo à Beira-Mar (Femme se Coiffant au Bord de la Mer) - Pierre Auguste Renoir
Coleção privada
OST - 55x46 - 1895


A timeless and lyrical idyll, Femme se coiffant au bord de la mer comes to the market for the first time in nearly a century from the illustrious Booth family collection. In 1927, notable collector and patron of the arts Ralph Harman Booth acquired the work from Bernheim-Jeune, one of the longest-standing and most renowned dealers to first champion Impressionist and Modern masters including Renoir, van Gogh, Bonnard and Vuillard, and the present canvas is captured in a photograph of Bernheim-Jeune's salon.
While Renoir’s bathing scenes of the mid-1880s present crisp lines and fresco-like renderings of his subjects inspired by Ingres, “by the 1890s, Renoir’s hard-edged style yielded to a fluid melding of figure and ground, and particularities gave way to a more generalized and idealized approach”. Dated circa 1895, Femme se coiffant au bord de la mer presents a brilliant encapsulation of an Arcadian-inspired reverie painted with the hallmark brushstrokes and effulgent light of the Impressionists. Émile Verhaeren, a contemporary poet and art critic of Renoir, highlighted the quality of Renoir's specific handling of flesh: "Here...is an utterly new vision, a quite unexpected interpretation of reality to solicit our imagination. Nothing is fresher, more alive and pulsating with blood and sexuality, than these bodies and faces as he portrays them. Where have they come from, those light and vibrating tones that caress arms, necks, and shoulders, and give a sensation of soft flesh and porousness?”.
A similar work recently lent to the Musée Renoir in Cagnes-sur-Mer by Prince Albert II of Monaco and dated five years earlier highlights an important quality in Renoir’s painting from this period—the inconsequence of location. While the central figure, pose, and drapery in the two works echo each other, the present composition is set along a cerulean seaside, replacing the wooded promontory of the earlier picture. As Verhaeren states, “the backgrounds are suffusions of air and light; they are vague because they must not distract us".
John House writes the following on Renoir's fascination with the subject of the female nude in outdoor settings: "On his travels Renoir painted many landscapes and informal outdoor subjects, but his more serious efforts were reserved for themes which tread the borderline between everyday life and idyll-themes with obvious echoes of eighteenth-century art. He painted a long series of nudes, mainly young girls in outdoor settings, whom in a letter he called his 'nymphs.' Mainly single figures at first, he brought them together in groups around 1897 in several pictures of girls playing which translate the subject of the 1887 Bathers into a fluent informality very reminiscent of Fragonard's Bathers”.
This obsession would remain constant throughout the artist’s career, eventually building to his final canvases; the iconic Rubensian compositions of nude bathers rendered in luminous washes of pink and gold. The recent exhibition at The Clark Art Institute, Renoir: The Body, The Senses, surveyed the evolution of the artist's figural works, featuring earlier paintings like Blonde Bather which match the quality and tenor of the present composition. “It was by his images of women that Renoir wished to be judged as an artist… His late works, in which the resplendent nudes represent a mythical ideal of woman, fused with the earthly paradise that Renoir always sought, are a fitting final testament”.

Pessoas Passeando no Parque em Paris, França (People Strolling in a Park in Paris) - Vincent van Gogh

Pessoas Passeando no Parque em Paris, França (People Strolling in a Park in Paris) - Vincent van Gogh
Paris - França
Coleção privada
OST - 46x38 - 1886


The year 1886 marked one of great growth and experimentation for van Gogh. The budding artist moved from Antwerp, where he’d spent his days frequenting museums and studying works by Northern masters like Hals and Rubens, to the bustling bohemian haven of Paris, where he’d soon encounter the French avant-garde. The two years that van Gogh spent in the French metropolis would prove pivotal in the artist’s career, taking his works from the heavier, fuliginous compositions inspired by Dutch masters to the lively and prismatic works for which the artist is best remembered.
After securing lodging with his brother Theo in February of 1886, van Gogh sought further artistic study in Paris and soon enrolled in the Atelier Cormon. Though the temperamental artist would find little satisfaction in his instruction there, it was at Cormon’s studio that van Gogh would encounter and befriend Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Signac and Émile Bernard, forever altering the trajectory of his career. Shortly after leaving Cormon’s studio, van Gogh shifted his attention from drawing to painting and indulged his newfound lust for color. Writing to British painter Horace Mann Livens, van Gogh recounted: “as we said at the time in COLOUR seeking LIFE, the true drawing is modeling with colour.” He reported that he had completed “a dozen landscapes too, frankly green, frankly blue,” by the fall of 1886. In this same letter, van Gogh conveyed his great appreciation for Paris and its artists: “In Antwerp I did not even know what the Impressionists were, now I have seen them and though not being one of the club yet I have much admired certain Impressionist pictures–DEGAS, nude figure–Claude Monet, landscape”.
Painted just a few months after van Gogh’s arrival in Paris, People Strolling in a Park in Paris portrays a daytime jaunt in one of the city's oldest parks and as such captures a moment in the metropolis’ historic evolution. As posited by the Van Gogh Museum in Paris, the setting of this work is likely the Parc Monceau, a small public space in the eighth arrondissement near where the van Gogh brothers lived. Originally established as a public space by the Duke of Orléans in 1778, the Parc Monceau changed hands over the course of the French Revolution and Second Empire, eventually returning to the ownership of Duke's family. After Napoleon III declared himself Emperor of France in 1851, the monarch set out to revolutionize the French capital by appointing Georges-Eugène Haussmann as the prefect in charge of massive urban renewal campaigns. The “Hausmannization” of Paris included myriad public works programs, not least of all the allotment and design of a number of urban parks. During this time, the land allocated for Parc Monceau was divided in two, with half being sold for development of luxury properties and the other half reserved for the city of Paris. In 1861, the remaining undeveloped land would become the first new public park under Baron Haussmann in 1861. An informal, English-style garden replete with worldly features like an Egyptian pyramid, Dutch windmill and Chinese fort, the Parc Monceau served as inspiration for countless artists in the 19th and 20th centuries including Monet and Caillebotte.
The present work reflects an autumnal enlivening of the artist’s palette, including hues which recall van Gogh’s earlier Dutch works and yet are supplemented with resplendent seasonal tones of sienna and ochre. It is around this time when the influences of the newly-encountered Impressionists begin to take root in van Gogh’s work. The depth and sweeping perspective of van Gogh's earlier compositions, inspired by artists like Jean-François Millet, are here replaced by a patchwork of seemingly spontaneous directional brushstrokes, heavily impastoed and employed in the service of light and color. Painting wet-into-wet, van Gogh imbues his trees and figures with a lively, spontaneous quality which adds a sense of motion and impact to the seasonal scene.
Such qualities are perhaps what inspired the glowing review by van Gogh’s first critic, Albert Aurier, who in 1890 wrote: “In the case of Vincent van Gogh, in my opinion, despite the sometimes misleading strangeness of his works, it is difficult for an unprejudiced and knowledgeable viewer to deny or question the naive truthfulness of his art, the ingeniousness of his vision. Indeed, independent of this indefinable aroma of good faith and of the truly seen that all his paintings exude, the choice of subjects, the constant harmony between the most excessive colour notes, the conscientious study of character, the continual search for the essential sign of each thing, a thousand significant details undeniably assert his profound and almost childlike sincerity, his great love for nature and for truth—his own personal truth” . A well-respected art critic and collector associated with the Symbolist movement, Aurier owned a very similar painting which remained in the writer’s collection until his death. 
Van Gogh’s decadent yet harmonious use of color and great love of nature would reach a glorious pitch during his later years in Arles with incomparable works like L'Allée des Alyscamps whose verdant environs, autumnal tones, and thick, directional brushwork were predicated on catalytic works like the present. Stemming from the transformative Parisian period in van Gogh's career, the present work provides a crucial link between the artist's earlier and final works, and was celebrated most recently in London at the monumental Van Gogh and Britain exhibition at the Tate.