Editora Intrínseca - 528 Páginas - 2014
Livro
segunda-feira, 12 de novembro de 2018
As Ilusões Armadas 2. A Ditadura Escancarada - Elio Gaspari
Editora Intrínseca - 528 Páginas - 2014
Livro
Guernica, Guernica y Luno, Espanha (Guernica) - Pablo Picasso
Guernica y Luno - Espanha
Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madri, Espanha
OST - 349x776 - 1937
Com
349 cm de altura por 776,5 cm de comprimento, Guernica, uma das obras mais famosas
de Pablo Picasso (1881-1973), pintada a
óleo em 1937, é uma “declaração de guerra contra a guerra e um manifesto contra
a violência”. O quadro, além de ser um ícone da Guerra Civil Espanhola, é hoje
um símbolo do antimilitarismo mundial e da luta pela liberdade do homem.
O quadro tem implícito uma mensagem de
resistência contra o autoritarismo e também conta a
ascensão dos governos fascistas na Europa. O quadro estabelece um diálogo
direto com o espectador por enxergar o drama, a morte e a tragédia. O
quadro, ao mesmo tempo, representa as terríveis consequências da guerra sob a
luz de uma lâmpada elétrica, símbolo
da modernidade e do progresso técnico. A obra de Picasso trabalha com uma linguagem paradoxal.
O pintor havia sido escolhido pelo governo
espanhol para representar a Espanha na Exposição Internacional de
Artes e Técnicas, que aconteceria em Paris. Quando o artista recebe
a notícia do massacre ocorrido da cidade basca de Guernica, ele faz do desastre o tema de sua tela. O bombardeio aéreo à
cidade foi feito por caças alemães em apoio ao general Francisco Franco. Atualmente está no Museu Nacional
Centro de Arte Reina Sofia, em Madrid na Espanha.
O governo espanhol queria utilizar o pavilhão
como instrumento de propaganda política que refletiria o drama vivido no país,
em plena Guerra Civil após a revolta do exército contra o Governo da II
República. A participação espanhola se converteu assim em uma oportunidade para
difundir o conflito na busca de apoio internacional.
Com a morte do ditador Franco, iniciaram-se
os trâmites legais para o regresso do quadro para a Espanha, depois de 40 anos em exílio. A obra chegou no país
espanhol apenas em 1981 e, somente em 1992 o
quadro foi levado ao Museu Nacional
Centro de Arte Reina Sofia, onde está até hoje.
Para Frederick Hartt, Guernica é um “memorial
de todos os crimes perpetrados contra a humanidade no século XX”.
A pintura
foi feita com o uso das cores preto e branco e um toque de bege e azul, algo
que demonstrava o sentimento de repúdio do artista ao bombardeio da pequena cidade espanhola. Embora
o quadro apresente uma linguagem de vanguarda, a obra é formada por uma
estrutura piramidal e com uma composição simétrica e, simultaneamente, recupera
o espírito do barroco espanhol, com o
uso de expressões exageradas de dor com uma representação do trágico.
Claramente em estilo modernista, Picasso retrata pessoas, animais e edifícios
atingidos pelo intenso bombardeio da força aérea alemã (Luftwaffe) - oito personagens, entre pessoas e animais,
protagonizam a cena. Em ordem, partindo da esquerda: uma mulher chorando, que
carrega um menino morto nos braços, um touro, um soldado caído de costas, que
segura uma espada e uma flor, acima dele um cavalo, uma mulher que se projeta
de uma janela, carregando uma lamparina, uma outra mulher que está correndo e,
enfim, uma terceira mulher cercada pelas chamas - ela parece gritar e está com
os braços levantados. No dia do bombardeio, a força alemã já estava sob o
controle de Adolf Hitler, aliado de Francisco Franco.
Morando em Paris,
o artista soube dos fatos desumanos e brutais através de jornais, e daí
supõe-se tenha saído a inspiração para a retratação monocromática do fato.
Sua composição retrata as figuras ao estilo
dos frisos dos templos gregos, através de um enquadramento triangular delas. O
posicionamento diagonal da cabeça feminina, olhando para a esquerda, remete o
observador a dirigir também seu olhar da direita para a esquerda, até o lampião trazido ainda aceso sobre um braço decepado e,
finalmente, à representação de uma bomba explodindo.
O quadro Guernica poderia ser considerado
como a sequência culminante [neste caso, e em termos cinematográficos, como um
conjunto de planos de ação que se desenrolam no mesmo local, nosso] de uma
espécie de guião cinematográfico de carácter visual (um storyboard), cujo desenvolvimento
prossegue, depois, nas outras vinhetas. Portanto, depreende-se uma sequência
narrativa na obra.
O cavalo, um dos elementos centrais da obra,
é símbolo da revolta franquista, cujo significado fora empreendido por Juan
Antonio Ramírez em análise à obra "Sonho
e Mentira de Franco". Ramírez afirma que da ferida do cavalo parece
sair a asa que fará voar este animal, tão parecido, aliás, com esse outro
equino, vítima do fascismo, que Picasso pintará, pouco depois, no centro de
Guernica, referindo-se à ferida exibida pelo cavalo em "Sonho e Mentira de
Franco" que transforma-se em asas, simbolizando a liberdade.
As diferenças entre as obras são o fato de
que o cavalo em Guernica representa a vitimização e também não possui asas,
apesar de estar ferido. A depicção é contraditória pois, o cavalo é geralmente
retratado como agressor, indicando uma subversão da natureza agressor/vítima.
Não existem inimigos na imagem, nem bombas. Picasso retrata as vítimas cercadas
pela dor e pelo medo.
A obra foi apresentada pelo diretor cinematográfico Alain Resnais em seu documentário nomeado “Guernica”, de
1950, onde ele retrata o ataque aéreo à cidade usando as imagens de Picasso
somadas ao texto de Paul Éluard.
O mural foi
criado em resposta ao Bombardeio de Guernica, em
abril de 1937. A cidade é localizada na província de Biscaia, no País Basco. Durante a Guerra Civil Espanhola,
eles eram conhecidos como local de resistência da cultura basca, sendo um
grande alvo do governo espanhol.
As forças republicanas eram compostas de
diferentes facções (comunistas, socialistas, anarquistas, entre outros) com
diferentes objetivos, mas unidos em oposição aos nacionalistas. Estes,
entretanto, eram liderados pelo general Francisco Franco, que buscava uma volta à Espanha
pré-republicana, baseada na lei, respeito e valores católicos tradicionais.
Quando eram 16:30 de segunda-feira, dia 26 de
abril de 1937, aviões de guerra alemães, liderados pelo marechal Wolfram von Richthofen,
bombardearam a cidade por cerca de duas horas seguidas. A Alemanha, à época governada
por Hitler, tinha se aliado e emprestado
material de suporte aos nacionalistas.
No dia 30 de abril, Von Richthofen relatou em
seu diário:
“Quando o nosso esquadrão chegou ao local
pela primeira vez, já tinha fumaça por todo lugar; ninguém conseguia
identificar os alvos nas estradas, pontes, subúrbios. Dessa maneira, eles
jogaram todas as bombas no centro. Eles destruíram um grande número de casas,
correntes d’água. Os incendiários agora poderiam se espalhar e se tornarem mais
efetivos. Os materiais das casas como telhas e portões de madeira foram
aniquilados. A maioria dos habitantes estava viajando por conta do feriado; o
restante deixou a cidade imediatamente por conta do começo do bombardeio; um
pequeno número pareceu nos abrigos que foram destruídos.”
Outras fontes dizem que os habitantes da
cidade estavam, na verdade, congregados no centro, pois era dia de feira, e
então o bombardeio começou. Dessa maneira, muitos não conseguiram escapar pois
as rodovias estavam cheias de detritos e as pontes que levavam ao outro lado da
cidade haviam sido destruídas.
A
fotógrafa Dora Maar – que já havia trabalhado
com Picasso desde 1936 ao captar imagens
de seu estúdio e lhe ensinar as técnicas de fotografia – documentou os estágios que a cidade de
Guernica precisou passar para se reconstruir. Mesmo com o valor publicitário
por trás, suas fotografias “ajudaram Picasso a evitar cores e dar à obra tons
brancos e pretos, iguais aos das fotos”, de acordo com o historiador
especializado em arte John Richardson.
O trabalho foi pintando com tintas foscas
encomendadas especialmente por Picasso, que queria ter o menor brilho possível. O
artista americano John Ferren o auxiliou a rascunhar nas telas de pintura. Antes
dessa obra, Picasso quase não deixava estrangeiros entrarem em seu estúdio e
assistirem ele trabalhando, mas ele liberou visitantes influentes no seu
estúdio para que observassem o progresso de sua pintura, acreditando que a
publicidade que ganharia ajudaria na causa antifacista.
Enquanto trabalhava no mural, Picasso disse:
“O problema espanhol é a luta da reação contra as pessoas, contra a liberdade.
Em toda a minha vida de artista, não tenho feito nada além de lutar contra as
reações e a morte da arte. Como qualquer pessoa poderia pensar, por um momento,
que eu teria concordado com a morte?. No painel que eu tenho trabalhado, que eu
devo chamar de Guernica, e em todos os meus trabalhos recentes, eu claramente
expresso o meu aborrecimento com os militares que afundaram a Espanha em um
oceano de tristeza e morte”.
Depois de 35 dias de trabalho, ele terminou a
sua arte em 4 de junho de 1937.
O quadro do
Pablo Picasso veio para o Brasil em 1953 e
foi o principal destaque da Segunda Bienal de Arte de São Paulo, realizada
naquele ano. A exposição da obra ajudou a influenciar a temática, os traços e a
representação das formas dos artistas latino-americanos, que viram o quadro na
exposição.
A história da vinda do quadro ao País começa
antes mesmo da obra existir. Entre 1926 e 1928, auge do primeiro movimento
modernista no Brasil, o pintor Cícero Dias, tomado pelo primitivismo modernista e pelo desejo
de desenvolver grandes obras, mudou-se para Paris,
em 1937. Quando chegou na capital francesa, o pintor brasileiro teve contato
com a obra de Picasso. Ao ver Guernica finalizada, Dias identificou novas
possibilidades estéticas, expressivas e pictóricas para o tipo de pintura em
painel que realizava, desde os anos de 1920. A influência do tema e da forma,
transformaram a obra do artista brasileiro. Simultaneamente com isso, Dias e
Picasso tornaram-se grandes amigos.
Será por meio dessas relações pessoais que
Dias conseguirá a autorização de Picasso para que Guernica e outras gravuras e
pinturas sejam enviadas para a II Bienal de São Paulo, em 1953. À época, as
questões envolvidas na Bienal, como o debate pictórico e outras questões da
arte não tiveram tanta importância. O quadro Guernica fora sucesso de público e
de crítica. Por conta disso, os jornais denominaram exposição como a “Bienal de
Guernica”.
Essa obra também influenciou outros artistas
brasileiros como Cândido Portinari. O
artista brasileiro viu o quadro espanhol pela primeira vez, em 1942, em Nova
York.Portinari estava expondo quatro grandes murais para a Fundação Hispânica
da Biblioteca do Congresso, em Washington, com temas referentes à história
latino-americana. Em 1943, de volta ao Brasil, e sob o impacto da Segunda
Guerra Mundial e da ditadura de Getúlio Vargas, o artista brasileiro realizou
oito painéis que ficariam conhecidos como "Série Bíblica",
influenciada pela temática da dor e das questões sociais advindas da representação
de Guernica. A partir disso, Picasso passaria a retratar os dramas oriundos do
Brasil.
Conta-se
que, em 1940, com Paris ocupada pelos nazis, um oficial alemão, diante de uma
fotografia reproduzindo o painel, perguntou a Picasso se havia sido ele quem
tinha feito aquilo. O pintor, então, teria respondido: "Não, foram
vocês!".
domingo, 11 de novembro de 2018
Juramento da Princesa Isabel, Rio de Janeiro, Brasil (Juramento da Princesa Isabel) - Victor Meirelles
Juramento da Princesa Isabel, Rio de Janeiro, Brasil (Juramento da Princesa Isabel) - Victor Meirelles
Rio de Janeiro - RJ
Museu Imperial Petrópolis
OST - 177x260 - 1875
O Jardim das Delícias (El Jardín de Las Delicias) - Hieronymus Bosch
O Jardim das Delícias (El Jardín de Las Delicias) - Hieronymus Bosch
Museu do Prado, Madri, Espanha
Óleo sobre madeira - Tríptico - 220x389 - 1504
O Jardim das Delícias é um tríptico de Hieronymus Bosch, que descreve a história do Mundo a partir da criação, apresentando o paraíso terrestre e o Inferno nas asas laterais. Ao centro aparece um Bosch que celebra os prazeres da carne, com participantes desinibidos, sem sentimento de culpa. A obra expõe ainda símbolos e atividades sexuais com vividez. Especula-se sobre seus financiadores, que poderiam ser adeptos do amor livre, já que parece improvável que alguma igreja tradicional a tenha encomendado.
Ligada à "utopia" por um lado, mas representando o lugar da vida humana por outro, Bosch revela uma atualidade do seu tempo, dado que essa vida está entre o paraíso e o inferno como se conta no Gênesis. O tríptico, quando fechado, tem uma citação transcrita desse livro "Ele mesmo ordenou e tudo foi criado". Entre o bem e o mal está o pecado, preposição cristã. No jardim, painel central, estão representações da luxúria, mensagem de fragilidade nas envolvências do vidro e das flores, refletem um carácter efémero da vida, passagem etérea do gozo, do prazer.
Enquanto "utopia", porque transcreve de modo imaginário na imagem um "real", que mais se aproxima do surreal, e representa, mesmo que toda a sociedade e a cultura ocidental esteja marcada por essa estrutura, uma história “utópica” do seu tempo. Entre um “bem” e um “mal” está a vida e o pecado, de certo foi aplicado, mas no início seria apenas uma projeção.
Como o restante das obras de Bosch, carece de datação unânime entre os especialistas, sendo esta uma das de mais enfrentadas posições, pois enquanto uns a consideram juvenil, outros dizem que é obra de maturidade. Baldass e outros a situam na época juvenil de Bosch (1485). Cinotti a situa por volta de 1503. Outras fontes a situam por volta de 1510. Tolnay e Larsen situam-na afinal da atividade de Bosch (1514–1515). As análises dendrocronológicas datam-na depois de 1466. O catálogo da exposição sobre o artista celebrada em Roterdã em 2001 assinala a data entre 1480 e 1490.
A partir de Gibson e até a atualidade (Hans Belting, 2002) conjeturou-se que fora realizada para Henrique III de Nassau. Os primeiros possuidores da obra foram, pois, os membros da Casa de Nassau, em cujo palácio de Bruxelas pôde ver o quadro o primeiro biógrafo de Bosch, Antônio de Beatis, personagem que viajava no séquito do cardeal de Aragão, em 1517. Sua descrição não deixa lugar a dúvidas de que se encontra frente ao famoso trítico: «Depois há algumas tábuas com diversas bizarrias, onde se imitam mares, céus, florestas e campos e muitas outras coisas, uns que saem de uma concha marinha, outros que defecam grous, homens e mulheres, brancos e pretos em atos e maneiras diferentes, pássaros, animais de todas as classes e realizados com muito naturalismo, coisas tão prazenteiras e fantásticas que em jeito algum se poderiam descrever àqueles que não as tiverem visto».
Foi herdado pelo seu filho René de Châlon e depois pelo sobrinho de Henrique, Guilherme I, Príncipe de Orange, líder da rebelião holandesa contra a coroa dos Habsburgo. Foi confiscado pelo duque de Alba, incluindo-se no inventário redigido com tal motivo a 20 de Janeiro de 1568. O duque deixou os quadros a D. Fernando, seu filho natural e prior da ordem de São João.
Foi comprada por Filipe II na leilão dos bens de Dom Fernando, e enviada para o mosteiro do Escorial em 8 de Julho de 1593. Colocou-se no dormitório do rei, onde esteve até sua morte. É a pintura mais famosa da coleção de nove de Hieronymus Bosch que Filipe II reuniu em El Escorial.
A princípio ao quadro denominou-se Uma pintura sobre a variedade do mundo. Logo, o "Quadro das fresas", denominação que se deve ao monge do Escorial José de Sigüenza, o primeiro crítico da obra. Poleró, que propõe em 1912 uma catalogação das obras do Museu do Prado, denomina o trítico Dos deleites carnais. De aí sai a sua denominação atual de "Jardim das delícias" ou "Das delícias terrenas". Foi transladado ao Museu do Prado em 1936 para a sua proteção devido à Guerra civil espanhola. Depois da guerra, por desejo de Franco entrou a fazer parte das coleções do Prado.
Trítico fechado :
O quadro fechado na sua parte exterior alude ao terceiro dia da criação do mundo. Representa um globo terráqueo, com a Terra dentro de uma esfera transparente, símbolo, segundo Tolnay, da fragilidade do universo. Há apenas formas vegetais e minerais, não há animais nem pessoas. Está pintado em tons grises, branco e preto, o que se corresponde a um mundo sem o Sol nem a Lua embora também seja uma forma de conseguir um dramático contraste com o colorido interior, entre um mundo antes do homem e outro povoado por infinidade de seres.
Tradicionalmente, a imagem que amostra o trítico fechado interpretou-se como o terceiro dia da criação. O número três era considerado um número completo, perfeito, já que em si mesmo encerra o princípio e o fim. E aqui, ao se fechar, transforma-se, no número um, no círculo: de novo nos permite vislumbrar a perfeição absoluta e, talvez, a trindade divina. No canto superior esquerdo aparece uma pequena imagem de Deus, com uma tiara e a Bíblia sobre os joelhos. Na parte superior pode-se ler a frase, extraída do salmo 33, "Ipse dixit et facta s (ou) nt / Ipse man(n)davit et creata s(ou)nt, que significa "Ele o diz, e todo foi feito. Ele o mandou, e tudo foi criado". Outros interpretam que pudera representar a Terra após o dilúvio.
Trítico aberto :
Ao abrir-se, o trítico apresenta, no painel esquerdo, uma imagem do paraíso onde se representa o último dia da criação, com Eva e Adão, e no painel central representa a loucura solta: a luxúria. Nesta tábua central aparece o ato sexual e é onde se descobrem todos os prazeres carnais, que são a prova de que o homem perdera a graça. Por último temos a tábua da direita onde se representa a condenação no inferno; nela o pintor mostra um palco apoteótico e cruel, no qual o ser humano é condenado pelo seu pecado.
A estrutura da obra, em si, também conta com um enquadre simbólico: ao abrir-se, realmente fecha-se simbolicamente, porque no seu conteúdo está o princípio e o fim humano. O princípio na primeira tábua, que representa o Gênesis e o Paraíso, e o fim na terceira, que representa o Inferno.
Painel esquerdo : O Jardim do Éden
O postigo da esquerda representa o paraíso terreno. Mede 220 centímetros de altura por 97,5 centímetros de largura. Ao fundo pode ver-se a Fonte da Vida. Em primeiro plano há uma cena totalmente atípica, já que não representa nem a criação de Eva da costela de Adão, também não o jeito de comportar-se no jardim, nem a reconvenção que segue à expulsão do paraíso, os únicos temas relatados na Gênesis em relação a este episódio. Nesta curiosa e original cena aparecem Deus, Eva e Adão. Adão está desperto, o que somente aparece em miniaturas, e Deus está-lhe a apresentar a Eva, recém criada. Deus está representado de uma maneira antiquada para os tempos de Bosch: como Jesus Cristo. Eva encontra-se ajoelhada no chão e toma da mão a Deus. Adão, deitado, olha para a futura pecadora. Junto ao primeiro homem e a primeira mulher aparece a "Árvore do bem e do mal" (uma palmeira) já que ao redor dela se envolve a serpente tentadora e a "Árvore da vida" (um exótico dragoeiro). Dado que no seguinte painel é representado um mundo luxurioso, esta tábua foi interpretada como o prelúdio do que depois acontecerá.
No que à primeira vista parece o típico Éden, associado à ideia de paz e sossego, com pouco que a observarmos, esse idílico palco vê-se truncado. Vários signos de fustigação irrompem, os animais enfrentam-se uns a outros: um leão derriba um cervo e dispõe-se para comê-lo, um estranho bípede é perseguido por um javali. No tanque, as disputas entre os animais voltam: um leopardo leva na boca um lagarto, uma ave devora uma rã. São sinais alheios à paz paradisíaca que costumam ser interpretados como aviso de pecado.
O pecado feminino é personificado nos bichinhos que se arrastam pela terra (insetos e répteis) ou nadam pela água (anfíbios e peixes), já que, dos quatro elementos (terra, água, fogo e ar), a terra e a água eram consideradas essências passivas cheias de fecundidade que, como a mulher, recebem a semente.
O pecado masculino é representado pelas alimárias que voam (insetos voadores, aves, morcegos, etc), já que o ar é considerado um elemento ativo, associado ao fogo e oposto à terra, pelo tanto, masculino.
O demônio está escondido nos tanques e as rochas que são, para Bosch, a guarida dos espíritos malignos. Por exemplo, na fonte da vida vemos uma estrutura entre mineral e orgânica, com um orifício pelo qual assoma uma coruja, um explícito símbolo da malícia, que também aparece em "O carro de feno". Cabe a possibilidade de este elemento arquitetônico, similar a uma flecha de uma catedral, no centro do quadro, ser um símbolo fálico preconizador dos prazeres da carne da tábua central. À sua direita, uma rocha cuja forma é o rosto oculto do Diabo, do qual surge a serpente, enroscada na árvore da fruta proibida. Os estranhos contornos desses montes rochosos do fundo indicam uma possível perturbação da pacífica convivência.
Aparecem na obra animais reais, mas extremamente exóticos, à época de Bosch, como girafas, elefantes, leões, leopardos, quando a África era praticamente desconhecida na Europa. O autor somente pôde ter referência dessas bestas através dos "Bestiários mitológicos" medievais (que sem dúvida superou com acréscimos) e os desenhos que começavam a circular graças à imprensa, sobretudo os que tinham o Egito como tema principal.
A obra apresenta um intenso e variado cromatismo. Predominam os verdes e o azul intenso do fundo, que contrastam com o manto vermelho de Deus e a brancura dos corpos de Adão e Eva.
Painel Central : O Jardim das Delícias Terrenas
A tábua central mede 220 cm de altura por 195 cm de largura. Um falso paraíso no qual a humanidade já sucumbiu em pleno ao pecado, especialmente à luxúria, e dirige-se à sua perdição. Dezenas de símbolos diferentes, cujas chaves só podem ser suspeitas, povoam este espaço opressivo e angustioso no qual a loucura se apoderou do mundo. Aparecem tanto homens como mulheres, brancos e pretos, despidos. Mostram-se todo tipo de relações sexuais e cenas eróticas, nomeadamente heterossexuais, mas também homossexuais e onanistas. Além disso, aparecem também relações eróticas ou sexuais entre animais, e mesmo entre plantas.
A parte inferior da tábua está dominada por numerosos nus, em grupos ou em casais, com estranhas plantas, minerais e conchas ou comendo grandes frutos. Todas as frutas (cerejas, framboesas, fresas, uvas, medronheiros, etc.), são uma clara alusão aos prazeres sexuais. Mas, ao mesmo tempo, as frutas simbolizam a fugacidade de tal prazer, pois passam em uns dias da frescura à putrefação.
Sobretudo à esquerda há pássaros de grandes proporções. Estas aves, como o pisco-de-peito-ruivo são também símbolos eróticos, em concreto da lascívia.
As estranhas estruturas que aprisionam e oprimem as personagens às vezes são como pompas, outras como conchas. Dão a conhecer indiretamente que o pecado se apodera do ser humano, o corrompe e pega para sempre. Muitas destas estruturas recordam a alambiques ou balões, o que faz que alguns historiadores considerem que provavelmente os significados intrínsecos da obra se encontrem ligados ao mundo da alquimia.
Os tanques não são limpos, senão focos de concupiscência, fonte e origem de todos os males que reflete a pintura; de fato, naquela época, referir-se ao banho podia aludir a Vênus e, pelo tanto, ao amor carnal. No centro da tábua aparece um tanque, cuja forma circular fica sublinhada por um cortejo de ginetes, composto quase exclusivamente por homens despidos montados em animais variados, reais ou fantásticos, como leopardos, leões, ossos, unicórnios, cervos, asnos, grifos, tomados dos bestiários medievais.
Interpretou-se a aparição desses animais como símbolos da luxúria. O tanque poderia representar a fonte da eterna juventude, um motivo muito estendido na pintura do século XVI, ou talvez forem as águas nas quais os homens banham seus pecados. Também se considerou que poderia ser o «tanque do adultério», no qual, enquanto os homens cavalgam em círculo ao redor, as mulheres se banham, e levam tocados de corvos (incredulidade), pavões-indianos (símbolo da vaidade), íbis e outros.
Detrás há um tanque no qual boia um enorme globo gris azulado, utilizado para realizar acrobacias lascivas por parte das personagens luxuriosos, e há um rio dividido em quatro ramais. Seria o «labirinto da voluptuosidade, com o tanque no qual boia o enorme globo cinza azulado da "fonte do adultério"»; nos seus quatro cantos, umas estranhas colinas-torres, excêntricas construções vegetais e minerais. Os quatro ramais nos quais se divide a corrente seriam os quatro rios do paraíso terreno.
Chocam sobremaneira as extraordinárias dimensões dos animais (peixes e mexilhões incluídos) e as plantas que chega mesmo a ultrapassar a estatura dos homens. É a ideia do mundo ao revés muito presente na linguagem iconográfica e literária da época (A nave dos loucos de Sebastian Brandt ou o Elogio da loucura, de Erasmo, que deveu de ser escrito em 1508, são amostras disso).
Há uma obsessão por apresentar animais e pessoas em posições invertidas: um deles aparece com a cabeça e o torso submergidos na água enquanto abre as pernas em forma de Y. Junto às construções fantásticas da parte superior da tábua, uns homens levam pendurado a um animal de um pau, mas este, em vez de ficar suspendido naturalmente, aparece boca acima desafiando as regras da gravidade.
Todas estas cenas mostram que nos encontramos ante um falso paraíso: tudo o que nele é representado não é o que parece.
Outro elemento chave da tábua é a falta de diferenciação sexual. Apenas distinguimos os homens das mulheres. Os únicos signos de diferenciação entre os dois sexos são os peitos femininos (nunca voluptuosos demais) e os genitais masculinos. Poderia ser que Bosch buscara assim mostrar que toda a humanidade estava implicada no pecado.
Na parte inferior da tábua podem-se apreciar outros dois elementos simbólicos. Concorrem vários personagens. Um de eles, o único que aparece vestido em todo o quadro, olha claramente para fora, estabelecendo uma cumplicidade com o espectador. Sinala uma mulher deitada que parece ser Eva. Detrás do homem vestido irrompe um terceiro personagem. Com respeito de quem é o homem vestido há várias teorias. Dirk Bax, por exemplo, identifica-o como Adão enquanto o homem que aparece por detrás saindo de uma caverna seria Noé anunciando uma nova era após o dilúvio. Mateus tem outra teoria. O varão apetrechado é João Batista, que sempre é representado com uma pele esfiapada e assinalando sempre algo, o Anho normalmente. Aqui, porém, Bosch nos surpreenderia uma vez mais. O Batista não aparece assinalando para o que tira os pecados do mundo (o Anho) senão precisamente para a que os trouxe, Eva. A caverna pela qual irrompe São João seria o símbolo de entrada no limbo tal como descreve o evangelho apócrifo de Nicodemos. São João encarnaria desta forma o gonzo entre o mundo anterior ao pecado e o mundo terreno. Por outro lado, há outra obra interessante de Santo Agostinho, "Comentário ao Gênesis contra os Maniqueus", na qual o célebre autor assinala que a morte está fixada na túnica de peles: «Eles ter-se-iam coberto de folhas e Deus entregou-lhes túnicas de peles, os cobriu com a mortalidade desta vida». Este significado é o que faz pensar aos estudiosos que sob dessa túnica encontra-se o casal original. Desde a caverna tornam-se testemunhas do que sobreveio ao mundo pela sua culpa. Além disso, no canto inferior esquerdo, há um grupo de homens que estão assinalando para a tábua anterior, em especial para Eva, o qual foi interpretado como uma clara acusação à mulher como responsável de ter sucumbido à tentação da serpente cometendo o pecado pelo qual pagará toda a humanidade. A misoginia é conhecida o suficiente na época na qual Bosch pinta o "Jardim das Delícias". Erasmo falava da necessidade da mulher, assinalando que esta somente servia para procurar prazer ao homem, o qual também roçava a necessidade quando as buscava.
Esta é a interpretação tradicional do painel central. Porém, houve outras que se afastam da mesma, levando em conta que Bosch realmente não condena o que se está vendo neste painel, ao contrário, parece um mundo positivo, altamente «desejável». É representado um universo de felicidade, sem dor, doença nem morte. Não se representa o passar do tempo (não há crianças nem anciãos), também não se vê ninguém trabalhando para ganhar o sustento com o suor da sua frente. Descreve uma humanidade diversa alimentada dos frutos da terra e organizada em estruturas naturais. Portanto, W. Fraenger acreditou ver na obra uma ilustração das concepções religiosas da seita herética dos adamitas, tese que hoje não goza de aceitação. Paul Vandenbroeck (2001) defendeu que aqui se representa a Montanha de Vênus (3l Grial), conhecida no final do período medieval como o «falso paraíso», se bem que, como as teses tradicionais, entende que é «pecador e demoníaco». Juan Antonio Ramírez defende, por outro lado, que o que se está representando realmente, dado que há uma continuidade da paisagem em relação à tábua da esquerda, uma ilustração do Gênesis. Estar-se-ia descrevendo o Paraíso terreno, de acordo com o Gênesis:
“E o Senhor Deus fez brotar da terra toda qualidade de árvores agradáveis à vista e boas para comida, bem como a árvore da vida no meio do jardim, e a árvore do conhecimento do bem e do mal / E saía um rio do Éden para regar o jardim; e dali se dividia e se tornava em quatro braços”
Estar-se-ia representando o paraíso tal como, segundo o cristianismo, o criara Deus, mas não como o local onde pecou Eva, senão como o paraíso ideal, o que devera ser se Eva não pecasse senão seguisse as ordens de Deus:
“Então Deus os abençoou e lhes disse: Frutificai e multiplicai-vos; enchei a terra e sujeitai-a...”
“E ambos estavam nus, o homem e sua mulher; e não se envergonhavam.”
A figura da personagem que provavelmente seja João Batista assinalaria admonitoriamente que esse é o mundo descrito por Deus, povoado por uma multidão de felizes inocentes, que não pôde chegar a existir devido à queda, e por isso situa a culpável, Eva, encerrada numa caverna e com um escudo de cristal.
Painel Direito : O Inferno
O postigo da direita representa o Inferno. Mede 220 cm de altura por 97,5 cm de largura.
Também é conhecido como "O inferno musical", pelas múltiplas representações de instrumentos musicais que aparecem. Ignora-se por que Bosch associa a música com o pecado. Pintou os tormentos do inferno, aos quais fica exposta a Humanidade. Descreve um mundo onírico, demoníaco, opressivo, de inumeráveis tormentos. É uma tábua muito sombria em relação ao colorido das outras duas: tons lívidos do inferno de gelo, vivas chamas do inferno de fogo. A tábua pode-se dividir em três níveis.
No nível superior vê-se a típica imagem do inferno, com fogo e torturas. As arquiteturas são sumidas em estranhas iluminações fosforescentes. Esse incêndio, que realmente representa a paisagem noturna de uma cidade em chamas, relacionou-se com um trauma do pintor, que viu quando era jovem como a sua localidade natal era vítima do fogo. Certamente, estas representações de cidades em chamas podem-se ver em outros quadros do autor. A atmosfera resulta totalmente demoníaca. A crítica parece coincidir em que a faca unida às duas orelhas é um genital masculino, enquanto a gaita-de-fole que um monstro sustém sobre a cabeça poderia ser um elemento homossexual ou, tal vez, feminino.
Na parte central, aparece um mundo onírico, com criaturas fantásticas, e cuja figura central é um "homem-árvore", conhecido também por um desenho autógrafo do Museu Albertina de Viena. Olha diretamente para o espectador. Interpretou-se em numerosas ocasiões como o rosto do próprio artista e que com uma torpe vendagem tenta ocultar uma chaga produzida pela sífilis. Sobre a cabeça leva um disco, no qual bailam pequenos monstros. Os seus braços são como troncos de árvore e estão descansando sobre barcas. Seu tórax está aberto e oco, e no seu interior há mais seres. Sob ele há um lago geado, sobre o qual patinam alguns condenados, enquanto o gelo se quebra. Na Idade Média considerava-se o contraste entre o frio e o calor como uma das torturas do inferno. Destaca-se uma personagem com cabeça de ave rapaz sentado num retrete. Pensa-se que poderia ser Satanás devorando os condenados e defecando-os num poço preto no qual outros personagens vomitam imundícias ou excrementam ouro. Sob o manto de Satanás uma mulher é acossada por um ente cuja face é um espelho onde ela se reflete.
Na parte inferior, aparecem o que seria o inferno musical propriamente dito, em onde os instrumentos musicais aparecem transformados em instrumentos de tortura. Embaixo, à direita, vê-se a um homem abraçado por um porco. É um simbolismo do que acontece às pessoas do painel central, do Jardim das Delícias Terrenas, devido ao seu comportamento.
Estilo :
Estes quadros parecem uma censura implacável, mas a sua inacabável fantasia, e o enquadre poético os faz, apesar de tudo, divertidos e otimistas. Sua ironia e burla do mundo se contrapõem com o realismo hierático de Jan Van Eyck.
O objetivo parece ser o de moralizar mediante ácidas críticas, que recordam a tradição medieval que se servia da deformação e a caricatura para revelar a malícia das suas personagens. Esta é a opinião tradicional, como considera seu primeiro analista, Frei José de Siguenza (1605):
“A diferença entre as pinturas de Bosch e as de outros é que os demais procuraram pintar o homem qual parece por fora; somente ele o ousou pintar qual é por dentro (...). Os quadros de Bosch não são disparates, senão uns livros de grande prudência e artifício, e os o nossos sim são disparates, não os seus; em síntese, é uma sátira pintada dos pecados e desvarios dos homens.”
Recursos pictóricos: Porém, Bosch supera as suas fontes graças à bagagem herdada dos Van Eyck e outros pintores flamencos, que lhe proporcionaram numerosas ferramentas pictóricas. À crueza medieval acrescenta, agora, uma visão poética graças aos recursos nos quais Bosch era um mestre: foi um grande desenhista, um mestre da cor do chiaroscuro, o tratamento da luz e da perspectiva; a paisagem (luminosa ou crepuscular), que apesar de ser irreal é sempre lírica. O claro cromatismo da ala esquerda e da tábua central comparou-se com miniaturas persas, enquanto a grandiosa representação noturna da parte superior do inferno anuncia as cenas de noite dos séculos XVI e XVII.
Composição: É aparentemente caótica, com múltiplas cenas colocadas sem uma ordenação espacial clara, embora que todas as cenas pareçam existir grandes objetos que agem como eixos organizadores (as fontes na primeira tábua, os tanques na segunda, e o homem-árvore e a sanfona na terceira). Coloca sempre a linha do horizonte muito alta para conseguir profundeza e poder pôr planos sucessivos que, apesar da sua independência, se fundem entre eles. Apesar de ser composto por numerosos pequenos detalhes, o trítico baseia-se numa composição muito reflexionada. O paraíso e a terra estão unidos pela mesma claridade e um mesmo horizonte, repetindo nelas a estrutura circular e as lagoas. Porém, o inferno é diferente, noturno, sem esperança.
O autor :
Bosch (1450–1516) chamava-se Hieronymus Van Aken, sendo apelidado Bosch (pela sua povoação Den Bosch ou 's-Hertogenbosch, na Holanda); teve uma vida acomodada, já que se casou com uma mulher endinheirada (Aleyt van Mervende). Apesar de viver como um opulento burguês, era obcecado com a religião, o pecado e o sexo. Especulou-se muito com respeito das ideias que o pudessem ter inspirado: talvez fosse um visionário, um herege, um obsessivo sexual, ou confrade de alguma seita herética; embora tudo pareça indicar que não foi nada disso, senão simplesmente um moralista culto e comprometido eticamente com uma causa.
Nota do blog: Data e autoria das fotografias não obtidas.
Rua Direita, Mariana, Minas Gerais, Brasil (Rua Direita, Mariana) - Cássio Antunes
Mariana - MG
Coleção privada
OST - 38x44
Vista do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brasil (Vista do Rio de Janeiro) - Paulo de Carvalho
Rio de Janeiro - RJ
Coleção privada
OST - 15x20
Rio Antigo, Rio de Janeiro, Brasil (Rio Antigo) - Paulo de Carvalho
Rio de Janeiro - RJ
Coleção privada
OST - 15x20
Avenida Jerônimo Gonçalves, Ribeirão Preto, São Paulo, Brasil
Ribeirão Preto - SP
Fotografia - Cartão Postal
Paisagem Serrana do Estado do Rio com Flamboyant Gigante, Rio de Janeiro, Brasil (Paisagem Serrana do Estado do Rio com Flamboyant Gigante) - Otto Bungner
Estado do Rio de Janeiro - RJ
Coleção privada
OST - 100x140
Assinar:
Comentários (Atom)