Times Square, 1973, Nova York, Estados Unidos

 

Times Square, 1973, Nova York, Estados Unidos

Nova York - Estados Unidos

Fotografia

Nota do blog: Data 1973 / Autoria não obtida.

Homem da Placa, 1937, Sexta Avenida, Nova York, Estados Unidos

Homem da Placa, 1937, Sexta Avenida, Nova York, Estados Unidos

Nova York - Estados Unidos

Fotografia

Nota do blog: Data 1937 / Autoria desconhecida.

 

Avião Douglas DC-4E Voando Sobre Manhattan, 1939, Nova York, Estados Unidos

 

Avião Douglas DC-4E Voando Sobre Manhattan, 1939, Nova York, Estados Unidos

Nova York - Estados Unidos

Revista Life - Estados Unidos

Fotografia

Nota do blog: Data 1939 / Crédito para Margaret Bourke-White.

Margaret Bourke-White Fotografando no Chrysler Building, 1934, Nova York, Estados Unidos

 

Margaret Bourke-White Fotografando no Chrysler Building, 1934, Nova York, Estados Unidos
Nova York - Estados Unidos
Revista Life - Estados Unidos
Fotografia


Margaret Bourke-White, a photographer for LIFE magazine, makes a precarious photo from one of the eagles on the 61st floor of the Chrysler Building in New York City in 1934.
Nota do blog: Data 1934 / Crédito para Oscar Graubner.

Aspecto da Estátua da Liberdade, Nova York, Estados Unidos

 

Aspecto da Estátua da Liberdade, Nova York, Estados Unidos

Nova York - Estados Unidos

Statue Cruises

Fotografia - Cartão Postal

Cartão postal promocional / institucional da empresa Statue Cruises.

Nota do blog: Data não obtida.

One World Observatory, Nova York, Estados Unidos

 

One World Observatory, Nova York, Estados Unidos

Nova York - Estados Unidos

Fotografia

O One World Observatory é o deck de observação do edifício mais alto de Nova York. 

Foi construído ao lado do memorial onde ficavam as torres gêmeas que sofreram o atentado de 11 de setembro de 2001.

Nota do blog: Imagem de 2016 / Crédito para Jaf.

Caixa de Alarme de Incêndio / Fire Box Alarm, 1977, Nova York, Estados Unidos

 

Caixa de Alarme de Incêndio / Fire Box Alarm, 1977, Nova York, Estados Unidos
Nova York - Estados Unidos
Fotografia


Fire Alarm Box, circa 1913, was located at Grand Street and Lafayette Street in Manhattan. 

Nota do blog: Imagem do ano de 1977, autoria de Robert Mulero.

Williamsburg Bridge, Circa Início dos Anos 1900, Nova York, Estados Unidos

 

Williamsburg Bridge, Circa Início dos Anos 1900, Nova York, Estados Unidos

Nova York - Estados Unidos

Fotografia - Cartão Postal

This is an early 1900s postcard of The Williamsburg Bridge approach in Manhattan.
The Williamsburg Bridge opened on December 19, 1903 and crossed the East River from Delancey Street in Manhhattan to Broadway in Brooklyn.

Estátua da Liberdade, Nova York, Estados Unidos

 

Estátua da Liberdade, Nova York, Estados Unidos

Nova York - Estados Unidos

N. 225

Fotografia - Cartão Postal

Nota do blog: Imagem de Irving Underhill / Cartão postal circulado em 1933.

Garotas na Janela, 1960, Nova York, Estados Unidos (Girls in the Window, New York City, 1960) - Ormond Gigli

 

Garotas na Janela, 1960, Nova York, Estados Unidos (Girls in the Window, New York City, 1960) - Ormond Gigli
Nova York - Estados Unidos
Fotografia


Texto 1:
Em pé em uma escada de incêndio do segundo andar, um fotógrafo chamado Ormond Gigli está gritando instruções através de um megafone. Quarenta modelos estão posando nas janelas das casas de pedra marrom em Manhattan, uma mistura de vestidos coloridos e vestidos de noite. Mais duas mulheres estão na calçada, ao lado de um Rolls-Royce prateado.
É o verão de 1960 e Gigli está com pressa. A demolição das casas já começou e no dia seguinte à sessão de fotos, os prédios serão demolidos. Mas o supervisor da demolição concordou em deixar Gigli tomar conta do local por duas horas durante o intervalo prolongado do almoço, com uma condição: o supervisor quer que sua esposa esteja na foto. (Ela está no terceiro andar, terceira da esquerda.)
Ninguém contratou Gigli, um fotógrafo comercial freelancer de 35 anos, para criar "Garotas nas Janelas". Ele está trabalhando sem uma atribuição porque quer eternizar aqueles prédios, que ficam bem em frente ao seu estúdio em casa. O que ele não sabe é que a imagem se tornará uma das fotografias mais colecionadas na história da fotografia.
Nos últimos 30 anos, aproximadamente 600 cópias assinadas e numeradas foram vendidas, a preços que normalmente variam entre US$ 15.000 e US$ 30.000. A imagem é oferecida em galerias ao redor do mundo.
"Garotas nas Janelas" também é queridinha do mercado de leilões. Mais de 160 cópias foram oferecidas ao longo dos anos na Phillips, Christie's, Sotheby's e outras casas, de acordo com a Artnet. Somente em 2017, incríveis 13 cópias foram leiloadas, e em vez de deprimir os preços, uma delas estabeleceu um recorde para a imagem, em US$ 56.906. Sete foram vendidas em leilões este ano, e na terça-feira outra foi vendida na Phillips em Londres por 30.480 libras esterlinas (aproximadamente US$ 38.000) e bem acima da estimativa alta.
As regras padrão do mercado de arte de oferta e demanda simplesmente não se aplicam a "Garotas nas Janelas". Some todas as cópias já vendidas e multiplique esse número pelo preço de cada cópia e você terá um valor na faixa de US$ 12 milhões.
"Tivemos discussões sobre isso internamente", disse Caroline Deck, especialista sênior em fotografias da Phillips em Nova York. "Deve ser a fotografia com maior arrecadação de todos os tempos."
É difícil saber ao certo se isso é verdade. Algumas fotografias apareceram em leilões mais vezes do que "Garotas", incluindo "Rue Mouffetard", de Henri Cartier-Bresson, uma imagem em preto e branco de 1954 de um jovem orgulhosamente carregando duas garrafas de vinho por uma rua. E várias fotografias individuais alcançaram somas espetaculares, incluindo trabalhos de Man Ray ("Le Violon d'Ingres", que foi vendido por US$ 12,4 milhões) e Edward Steichen ("The Flatiron", US$ 11,8 milhões).
Mas a ideia de que "Garotas" pode muito bem pertencer a uma discussão sobre as fotografias mais valiosas da história levanta uma questão: como um fotógrafo comercial, caso contrário obscuro, que passou grande parte de sua carreira fotografando celebridades e políticos para revistas como Parade e Life, conseguiu entrar em uma festa cheia de alguns dos artistas mais famosos do mundo?
A resposta começa com a imagem, é claro, que é uma combinação brilhante e alegre de glamour e rudeza urbana com um toque de nostalgia da era "Mad Men". O prédio incorpora uma fatia gloriosa da Nova York que está desaparecendo, e aquelas mulheres parecem prontas para começar a cantar.
"Se você vier à galeria, temos muitas coisas penduradas, e é essa que eles sempre param na frente", disse Etheleen Staley, co-fundadora da Staley-Wise, uma galeria em Nova York, a primeira a vender uma cópia de "Garotas". "Eles adoram e estão dispostos a pagar muito dinheiro por ela e ignorar que existem milhões por aí."
"Milhões" exagera um pouco, mas dá uma ideia do outro segredo do sucesso de "Garotas" —um suprimento muito robusto. A partir de 2010, e antes de sua morte em 2019, Gigli produziu, imprimiu e assinou centenas de cópias da fotografia, em uma variedade de tamanhos e em uma variedade de papéis fotográficos. Ele fez isso a pedido de seu filho, Ogden, 63, um fotógrafo que agora administra o espólio de seu pai e que planejou a estratégia de vendas única que transformou a imagem em um fenômeno.
"Fui eu quem fez tudo, dizendo ao meu pai: 'Não importa o que façamos, quais edições façamos, eu posso vendê-las; não se preocupe'", disse o filho Gigli, de seu estúdio em Pittsfield, nos Estados Unidos, sede do que poderia ser chamado de Girls in the Windows Inc. "Eu vi que precisávamos ter estoque para o dia em que meu pai partisse, e eu acreditava que o apelo dessa imagem continuaria para sempre."
Normalmente, fotógrafos de arte vendem cinco ou seis cópias de uma imagem em um ou dois tamanhos. A escassez tem o objetivo de despertar interesse e manter os preços. "Girls" foi impressa em 12 tamanhos diferentes, e em cada tamanho os Giglis criaram dezenas de fotografias. Por exemplo, existem 75 cópias da edição quadrada de 50 polegadas e 44 cópias da edição quadrada de 27 polegadas.
"A razão do seu sucesso é que há um produto para as pessoas possuírem", explicou Ogden Gigli. "E elas não estão preocupadas que existam centenas por aí. Elas estão pensando que U$10.000, U$20.000, U$30.000 não é muito por uma das melhores imagens do mundo."
Ormond Gigli cresceu na cidade de Nova York e começou a fotografar na adolescência. Ele se juntou à Marinha dos Estados Unidos durante a Segunda Guerra Mundial, servindo como fotógrafo, e mais tarde comprou a casa de pedra marrom —ainda de pé no número 327 da East 58th St., agora sede da missão permanente do Reino do Camboja nas Nações Unidas— onde montou seu estúdio em casa. Ele recebeu trabalhos da The Saturday Evening Post, Time e outras revistas. John F. Kennedy passou pelo estúdio para tirar seu retrato com Gigli em 1961. Boris Karloff chegou com um homem vestido como Frankenstein. Gigli convenceu uma mula a entrar na propriedade para uma foto temática de caipira com a atriz Gina Lollobrigida.
Em algum momento de 1960, Gigli percebeu que um grupo de casas de pedra marrom do outro lado da rua estava prestes a desaparecer. Manhattan estava entrando em sua fase de ocupação máxima, obliterando cortiços e construindo prédios de apartamentos de grande altura. A ideia para "Girls" veio a ele perto do dia da destruição.
Ogden Gigli mantém um controle rigoroso sobre seus muitos vendedores. Se ele descobre que uma galeria está vendendo "Girls" com desconto, essa galeria é cortada. E ele fornece cópias para casas de leilão em um ritmo destinado a manter um preço mínimo. O que nem sempre funciona. Ao longo dos anos, cerca de 30 cópias não conseguiram ser vendidas pelo preço mínimo em leilões, relata a Artnet. (A casa de leilões geralmente encontra um comprador em particular, guarda a imagem para um leilão futuro ou a devolve para Gigli.)
A grande maioria, no entanto, é vendida. Os compradores se encantam com a imagem e não se intimidam com a quantidade de "Girls" no mundo.
"Eu não comprei para ganhar dinheiro", disse Jim Buslik, 73 anos, um dos principais no ramo imobiliário comercial em Nova York, que comprou sua cópia em 2008. "Ela me impactou desde a primeira vez que a vi e todos os dias depois disso."
Gigli diz que ainda tem cerca de 100 cópias de "Girls", incluindo cópias em preto e branco que ele descreve como tão impressionantes que ele está um pouco relutante em se desfazer delas. Mas ele o fará, e uma das corridas mais improváveis da fotografia chegará ao fim quando tudo for vendido.
A menos que não seja assim. Alguns herdeiros de artistas falecidos produzem "gravuras de acervo", que parecem idênticas e simplesmente não possuem a assinatura do artista. (Em vez disso, recebem um carimbo de acervo.) As gravuras de acervo de "Girls" certamente teriam preços mais baixos, mas o quanto mais baixos é incerto. "É um mercado que preciso pesquisar", disse Gigli. "Nunca se sabe."
Texto 2:
Ormond Gigli, longtime photographer for TIME, LIFE, Paris Match and others, snapped everything from farmers to movie stars in his decades long career. But his most famous image, “Girls in the Windows” — taken on New York’s East 58th Street in 1960 – was made on a whim.
Widely considered one of the most famous fashion shots of the 1960s, it captures a slice of long-gone New York (the brownstones pictured were demolished the next day), and the picture’s influence stretches beyond photography. TIME caught up with Gigli before the mid-November release of a new book looking back at his life’s work.
Girls in the Windows wasn’t done on assignment, how did it come about?
No, it wasn’t an assignment. I had a brownstone [studio] that was right across from it on East 58th Street, and I look out the window one day and I see that they are tearing down the brownstones opposite me – they were old and no one was in them. And I’m looking at them and I’m saying: “It’s a shame, you know, what can I do with it?”
I had a great staff there [at my studio], so I’m discussing it with my studio manager – if we could get the frames out of the windows, we could shoot a girl in each window. So I had my studio manager go to talk the head demolition guy, and he said “yes, but you have to put my wife in the shot!”
We had to do it the next day, at 12 o clock when the workers had their lunch hour. We got models, we got friends. They wore their own outfits, nothing was styled – it was a happening.
Nice. So you shot from a window across the street?
I’m actually on the fire escape on the second floor – we had large fire escapes, almost like a balcony or something – I’m set up there with my camera and I’m directing. I had a bullhorn, and I got worried after a while so I said “don’t step out onto the ledges whatever you do!” Because with brownstones, the ledges, without anybody on them can fall down.
What camera did you use? And how many shots did it take to produce the image we know today?
It was shot on a 4×5 Speed Graphic – which I seldom used – with a wide angle lens. And I did about, I’m guessing here, 15 or 18 shots.
I believe not only was the demolition guy’s wife in the shot, yours was too?
Yes! My wife is on the right hand side. If you go up to the second floor she’s two over in a pink outfit.
Texto 3:
In 1960, photojournalist Ormond Gigli assembled 43 women, dressed them in refined, colorful garb, and situated them in 41 windows across the facade of the classic New York City brownstones. Years later, the image ended up being his most famous artwork.
Back in the day, Gigli found himself working out of a studio on East 58th Street in the heart of Manhattan. Across the street stood a series of townhouses, set for demolition.
Intent on capturing the beauty of the buildings before it was gone for good, the artist set to work on crafting the perfect image to memorialize the neighborhood he had come to love so well.
He hadn’t the money to pay for professional models – or an access to a budget for a picture that had no sponsorship.
So, he contacted the foreman of the building and convinced him to clear a 2-hour period of time for him to work – and clear out the window jams.
He reached out to a modeling agency that he had worked for, and asked for models to volunteer to be in his ‘dream’ picture. They were to wear what they wanted and show up over the lunch hour.
Since the building had been gutted of electricity and gas – there was a gaping hole on the sidewalk. So, unafraid to ask a favor, he contacted the city and asked for permission for the Rolls Royce to be parked on the sidewalk for the time necessary to set up the picture.
He then placed the models, including his wife, trying to loosely coordinate their outfits into the 30 windows. Some were bold enough to stand on the window jam and some were framed by the window. With three additional models, two on the street and one on the ground floor the picture was complete.
In the end, Ormond gathered 43 women clad in their best formal wear and no two figures looked exactly alike; the posture and outfit each woman assumed alludes to what her personality might be like outside the confines of the photograph.
Perched from the fire escape of his studio, he was able to capture action happening across five floors. The final product proved to be something surreal, reducing the living, breathing women to brightly colored toys in a doll house.
No two figures looked exactly alike; the posture and outfit each woman assumed alludes to what her personality might be like outside the confines of the photograph.
Perched from the fire escape of his studio, he was able to capture action happening across five floors. The final product proved to be something surreal, reducing the living, breathing women to brightly colored toys in a doll house.
The richness of the photograph stems from the ability to appreciate it in different ways: either as a whole, as a rhythmic composition of color and form, formed by the pattern of windows, human figures, and colorful dresses; or the viewer is drawn to explore its various parts, each woman presenting a different point of the interesting story (Gigli’s wife is on the second floor, far right and the demolition supervisor’s wife is on the third floor, third from left).
This is how Ormond Gigli recalls the story (according to Time magazine): In 1960, while a construction crew dismantled a row of brownstones right across from my own brownstone studio on East 58th Street, I was inspired to, somehow, immortalize those buildings. I had the vision of 43 women in formal dress adorning the windows of the skeletal facade.
We had to work quickly to secure City permissions, arrange for models which included celebrities, the demolition supervisior’s wife (third floor, third from left), my own wife (second floor, far right), and also secure the Rolls Royce to be parked on the sidewalk. Careful planning was a necessity as the photography had to be accomplished during the workers’ lunch time!
The day before the buildings were razed, the 43 women appeared in their finest attire, went into the buildings, climbed the old stairs, and took their places in the windows.
I was set up on my fire escape across the street, directing the scene, with a bullhorn in hand. Of course, I was concerned for the Models’ safety, as some were daring enough to pose out on the crumbling sills.
The photography came off as planned. What had seemed to some as too dangerous or difficult to accomplish, became my fantasy fulfilled, and my most memorable self–assigned photograph. It has been an international award winner ever since.
Most professional photographers dream of having one signature picture they are known for. “Girls in the Windows” is mine.
Decades later, the image has stood the test of time. Immortalizing the time and place, the photograph achieves exactly what Gigli intended and preserves the spirit of the city perfectly in a brief, colorful scene.

Pennsylvania Station / Penn Station, Nova York, Estados Unidos

 

Pennsylvania Station / Penn Station, Nova York, Estados Unidos

Nova York - Estados Unidos

Fotografia

Nota do blog: View of Penn Station from roof of Macy’s department store, circa 1910.

Pennsylvania Station / Penn Station, 1910, Nova York, Estados Unidos

 

Pennsylvania Station / Penn Station, 1910, Nova York, Estados Unidos

Nova York - Estados Unidos

Fotografia

Nota do blog: Inside Pennsylvania Station at track level just before the facility opened in 1910.

Douglas DC-4 Sobrevoando Nova York, Estados Unidos

 

Douglas DC-4 Sobrevoando Nova York, Estados Unidos

Nova York - Estados Unidos

Fotografia

Nota do blog: Imagem de 1939.

Quiosques na Entrada do Metrô, 1964, Nova York, Estados Unidos

 

Quiosques na Entrada do Metrô, 1964, Nova York, Estados Unidos
Nova York - Estados Unidos
Fotografia


The kiosks originally had separate entrance (domed roofs) and exit (peaked roofs) structures, though I’m not sure if that distinction was carried through all the way to the kiosks’ extinction in the late 1960s.
They were always specifically referred to as “kiosks” because they were modeled after entrance and exit structures found on the oldest lines of the Budapest, Hungary’s subway (known as the Metro), constructed in 1896, which were in turn reminiscent of Hungarian summer houses, called "kushks" that were modeled after similar ones found in Turkey and Persia. (New York City has not constructed an entire new subway line since the 1930s, while Budapest’s newest line opened in 2014. The NYC Second Avenue Line is supposed to open three stations in 2016).
Pretty early on, these entrance kiosks, placed on relatively narrow avenues and streets in Midtown, were interfering with sight lines of motorists and accidents were getting frequent, so they were replaced with much less elaborate staircases and railings. All had been torn down by 1968.
In 1986, a replica of one of the entrance kiosks was made from original IRT planning sheets and was installed on a traffic island at Astor Place and Cooper Square.
Nota do blog: Eram localizados entre a 50th Street e Broadway.

Times Square, Nova York, Estados Unidos

Times Square, Nova York, Estados Unidos
Nova York - Estados Unidos
N. 14837 / 43
Fotografia - Cartão Postal

Nota do blog: Data não obtida.

RMS Olympic, Nova York, Estados Unidos (RMS Olympic off New York) - Charles Edward Dixon

RMS Olympic, Nova York, Estados Unidos (RMS Olympic off New York) - Charles Edward Dixon
Nova York - Estados Unidos
Coleção privada
OST - 58x92 - 1910



Despite being constantly overshadowed by the memory of her more famous sister Titanic, the Olympic was nevertheless an extremely successful Atlantic liner in her own right. Built for the White Star Line by Harland & Wolff at Belfast, she was launched in October 1910, completed in May 1911, the year before Titanic, and entered service as the largest liner in the world. Registered at 45,324 tons gross, she measured 882 feet in length with a 92 foot beam and had accommodation for 2,021 passengers in three classes. Intended - with Titanic when she was ready - to entice custom away from the record-breaking Cunarders Mauretania and Lusitania with greatly enhanced luxury rather than increased speed, she had hardly begun her career when the loss of the Titanic dealt a crippling blow to White Star's aspirations and seriously undermined the company's financial position. Even before that tragedy however, Olympic's own life had begun inauspiciously when, on 20th September 1911, only three months after completing her maiden voyage, she collided with the cruiser H.M.S. Hawke off Southampton Water leaving both vessels seriously damaged. Olympic was forced to return to Belfast for repairs, a journey she then had to repeat barely a year later when various alterations, including the installation of additional lifeboats, were undertaken in the aftermath of the Titanic disaster.
Back in service in April 1913, the outbreak of the Great War in 1914 disrupted her schedules yet again when she was taken up as a troopship almost immediately. From September 1915, when she was dazzle-painted, her trooping duties were mostly in the Mediterranean where she survived several submarine attacks in the next two years. On 12th May 1918, on her 22nd trooping voyage, she first of all avoided a torpedo salvo and then rammed and sank the German submarine responsible, U103, off the Lizard. After the Armistice and for the first half of 1919, she was employed repatriating Canadian and American troops and, by the time she returned to Belfast for refitting that August, she had safely carried over 200,000 men and earned herself the nickname "Old Reliable".
Refurbished, including conversion to oil-firing, by Harland & Wolff at a cost of £500,000, she resumed her Southampton - New York service in July 1920, turning in her fastest ever crossing of 5 days, 12 hours and 39 minutes in 1921. Following White Star's acquisition of the Majestic [the ex-German liner Bismarck] in 1922, Olympic at last had an effective running mate and for nearly ten years made a significant contribution to White Star's profits as well as the line's reputation. Despite her best efforts, one of the most dramatic effects of the depressed world economy in the 1930s was the merger of White Star with their old rival Cunard in February 1934 but even this event was, to an extent, overtaken by what happened on 16th May the same year when Olympic rammed and sank the Nantucket lightship in thick fog with the loss of all seven lightkeepers' lives. Perhaps it was coincidental given her increasing age but, within a year, Olympic was laid up at Southampton and had been partially dismantled at Jarrow by the end of 1935, with what was left of her hull finally scrapped at Inverkeithing in 1937.
Previous owner of this painting, Mr Dean Winans Mathey Jnr., was son to Dean Mathey (1890-1972) and Gertrude Mathey (nee Winans) (1890-1949). Following his mother's death Mathey's father remarried Helen Behr (nee Monypeny Newsom) (?-1965), widow to Wimbledon and Davis Cup finalist Karl Behr (1885-1949). Famously, Karl accompanied Helen on board Titanic. Following the ships collision with the iceberg, whilst on board their lifeboat, Karl reputedly asked Helen to marry him. They were to marry within a year of the disaster.
Considering the date of this painting to 1910 and the fact that her maiden voyage to New York was not until 1911, this work must be an imagined scene, perhaps commissioned in celebration of Olympic's launch.

Retrato de Uma Jovem (Study of a Young Woman / Portrait of a Young Woman / Girl With a Veil) - Johannes Vermeer

Retrato de Uma Jovem (Study of a Young Woman / Portrait of a Young Woman / Girl With a Veil) - Johannes Vermeer
Metropolitan Museum of Art, Nova York, Estados Unidos
OST - 44x40 - 1665-1667


Study of a Young Woman (also known as Portrait of a Young Woman, or Girl with a Veil) is a painting by the Dutch artist Johannes Vermeer, completed between 1665 and 1667, and now in the Metropolitan Museum of Art, New York.
The painting was painted around the same time as the better-known Girl with a Pearl Earring, and has a near-identical size. Because of this, and its proximity in tone and composition, it is sometimes considered to be either a variant or pendant painting (counterpart) of Girl with a Pearl Earring. The subjects of both paintings wear pearl earrings, have scarves draped over their shoulders, and are shown in front of a plain black background. In addition, it is likely that the creation of both works involved the use of some optical device, such as a camera obscura or mirror, as the Hockney–Falco thesis speculates.
The sitter is depicted as having a homely face—widely spaced and flat—with a small nose and thin lips. The lack of idealised beauty has led to a general belief that this work was painted on commission, although it is possible that the model was Vermeer's daughter. The artist probably used a live model but, as with Girl with a Pearl Earring, did not create the work as a portrait, but as a tronie, a Dutch word meaning "visage" or "expression", a type of Dutch 17th-century picture appreciated for its "unusual costumes, intriguing physiognomies, suggestion of personality, and demonstration of artistic skill". The picture encourages the viewer to be curious about the young woman's thoughts, feelings, or character, something typical in many of Vermeer's paintings.
Girl with a Pearl Earring and Portrait of a Young Woman are unusual for Vermeer in that they lack his usual rich background; instead the girls are framed by a background of deep black. This isolating effect seems to heighten their vulnerability and seeming desire to place trust in the viewer. In 1994, the art historian Edward Snow wrote that Portrait of a Young Woman conveys "the desire for beauty and perfection into a loving acceptance of what is flawed".
The painting may have been owned by Pieter Claesz van Ruijven of Delft before 1674, then by his widow, Maria de Knuijt of Delft, until 1681; then their daughter, Magdalena van Ruijven, until 1682; her widower, Jacob Dissius, until 1695. The painting is thought to have been part of the Dissius sale of May 16, 1696 (No. 38, 39 or 40). It probably then belonged to Dr. Luchtmans, who sold it in Rotterdam as part of a sale from April 20–22, 1816 (No. 92) for 3 Dutch guilders (about 30 grams of silver), even then a tiny amount. Prince Auguste Marie Raymond d'Arenberg, of Brussels, owned the painting by 1829, and it remained in his family, in Brussels and Schloss Meppen, from 1833 to the early 1950s. In 1959 (or 1955, according to another source), it was bought in a private sale from the Prince d'Arenberg by Mr. Charles Wrightsman and Mrs. Jayne Wrightsman of New York for a sum estimated at around £125,000. In 1979, the Wrightsmans donated the picture to the Metropolitan Museum of Art in memory of curator Theodore Rousseau, Jr. This painting dates from about 1665–67, a period in which Vermeer painted two similar works: Girl with a Red Hat (National Gallery of Art, Washington) and Girl with a Pearl Earring (Mauritshuis, The Hague). The latter is on canvas and is nearly identical in size to the MMA picture.
Until 2001, the MMA canvas was called Portrait of a Young Woman. However, it is certain that Vermeer's bust-length pictures of young women were not intended as portraits, even if a live model was employed. In contemporary inventories, including that of Vermeer's estate, paintings of this type were called tronies, a now defunct term that could be translated as heads, faces, or expressions. Depicting intriguing character types and exotic or imaginary costumes, tronies were made as collectors' items; the materials depicted—such as the blue silk draped around the model's shoulders in this painting—were not secondary but essential motifs intended for the connoisseur's eye, showing the artist's powers of invention and execution.
This may be one of three paintings by Vermeer described as "Een Tronie in Antique Klederen, ongemeen konstig" (A tronie in antique dress, uncommonly artful) in the 1696 Amsterdam auction of paintings owned by Jacob Dissius, the son-in-law and heir of the artist's Delft patron Pieter Claesz van Ruijven (1624–1674). In lighting and palette, it is very different from the Mauritshuis canvas, which employs primary colors in discreet passages and a more emphatic contrast of light and shadow. However, the similar subjects and sizes of the two works along with their complementary formal qualities may indicate that they were meant as a pair.

A Noite Estrelada, Saint-Rémy-de-Provence, França (De Sterrennacht / The Starry Night) - Vincent van Gogh

                                               
A Noite Estrelada, Saint-Rémy-de-Provence, França (De Sterrennacht / The Starry Night) - Vincent van Gogh
Saint-Rémy-de-Provence - França
MoMA The Museum of Modern Art, Nova York, Estados Unidos
OST - 73x92 - 1889



Nota do blog: Data e autoria das imagens não obtidas.

1807, Friedland, Atual Pravdinsky, Rússia (1807, Friedland) - Jean Louis Ernest Meissonier

1807, Friedland, Atual Pravdinsky, Rússia (1807, Friedland) - Jean Louis Ernest Meissonier
Friedland, Atual Pravdinsky - Rússia
Metropolitan Museum of Art, Nova York, Estados Unidos
OST - 135x242 - 1875


O quadro 1807, Friedland é uma das obras do artista francês Jean-Louis Ernest Meissonier. Começou a ser pintado em 1861 e foi concluído em 1875. É um óleo sobre tela de 135,9 x 242,6 centímetros.
1807, Friedland retrata a vitória de Napoleão Bonaparte na Batalha de Friedland, que ocorreu em 14 de junho de 1807, na atual Pravdinsk, na Rússia, e opôs exércitos russos e franceses.
Meissonier fez uma série de estudos preparatórios para a realização dessa obra, incluindo desenhos e esculturas que serviram como modelos. 1807, Friedland ficou conhecida apenas em 1876, quando um magnata de uma loja de departamentos americana, Alexander T. Stewart comprou o quadro por 60 mil dólares.
Grande parte das pinturas de Meissonier são pequenas e voltadas para questões militares ou históricas. Sua técnica foi proveniente de um vasto estudo de artistas holandeses do século XVII. No entanto, os estudos preparatórios de armaduras e vestes da época, junto com a observação de questões naturais (como análises do movimento de cavalos) fazem com que ele se aproxime mais do século XIX. Em 1864, o artista pintou a obra A Campanha da França, de 1814, que foi o início do interesse de Meissonier por atos épicos de Napoleão Bonaparte.
1807, Friedland faz parte de um ciclo de cinco episódios da vida de Napoleão Bonaparte, que, no entanto, o artista só completou dois: 1807, Friedland e A Campanha da França, de 1814, uma imagem de derrota (que está hoje no Musée d'Orsay, em Paris).
O juiz Henry Hilton comprou o quadro de Stewart em 1887 e doou ao Metropolitan Museum of Art, o MET, em Nova York.
A obra 1807, Friedland se assemelha muito a uma pintura marcante para a história brasileira, o quadro Independência ou Morte, pintado por Pedro Américo em 1888. Por conta disso, muitas discussões surgiram acerca de um possível plágio por parte de Pedro Américo.
De fato, a composição das duas obras se assemelham bastante. De acordo com José Murilo de Carvalho, um historiador brasileiro que escreveu um artigo para o site do jornal Folha de S.Paulo, "a figura central, D. Pedro e Napoleão, é colocada sobre uma elevação do terreno, cercada por seus estados-maiores. Ao seu redor, em movimento circular, soldados entusiasmados saúdam com as espadas desembainhadas. [...] Sobressai em primeiro plano o movimento dos cavalos, cujo desenho exato era obsessão de Meissonier. Nos dois casos, finalmente, nenhuma ambiguidade quanto ao objetivo dos pintores: a exaltação do herói guerreiro".
Você deve ter achado o título dessa notícia um tanto estranho, afinal, o termo plágio se aplica quando um autor se apropria indevidamente da obra de outro, apresentando a obra copiada como se fosse uma obra própria, e não a eventos históricos. E é verdade: se falássemos sobre o ato de Dom Pedro I às margens do rio Ipiranga, seria realmente estranho; mas, aqui, estamos falando do quadro Grito do Ipiranga, nome pelo qual ficou conhecido o quadro Independência ou Morte, obra do pintor Pedro Américo que deixou a mais importante representação sobre esse ato tão importante para nossa história. Mas, você sabia que essa obra é acusada de ser um plágio? É isso mesmo. Além disso, o quadro de Pedro Américo contém uma série de mitos que são contestados pelos historiadores, e é isso o que você vai conhecer agora.
Pedro Américo foi um pintor brasileiro que viveu entre os anos de 1843 e 1905 e ficou conhecido por suas obras históricas, nas quais retratou grandes feitos da história do Brasil, como Tiradentes Esquartejado, sobre a Inconfidência Mineira, ou Batalha de Avaí, que ocorreu na Guerra do Paraguai, além de muitas outras obras.
Pedro Américo pintou o quadro Grito do Ipiranga em 1888, portanto, 66 anos depois do evento histórico, sob encomenda do Governo Imperial Brasileiro, que estava investindo na construção do Museu do Ipiranga, hoje chamado de Museu Paulista. O pintor não foi uma testemunha ocular do fato e sua obra apresenta uma série de divergências com a versão dos historiadores sobre o episódio. Como, por exemplo, o fato de Dom Pedro I e toda sua comitiva estarem montados em belos cavalos - isso seria muito difícil, uma vez que todos estavam vindo de Santos, e, para chegar até São Paulo, tinham que atravessar a Serra do Mar. Como tal subida era muito difícil, em geral, utilizavam-se das mulas e dos burros, animais mais fortes e resistentes a esse tipo de atividade que os cavalos; por isso, é bem provável que Dom Pedro I estivesse montado em uma mula muito menos vistosa e imponente que o cavalo marrom do quadro de Pedro Américo.
Além disso, a travessia da Serra do Mar era algo muito penoso, e é difícil que tanto o Imperador quanto os seus soldados estivessem usando roupas de gala, como as retratadas pelo nosso pintor. Muito provavelmente, todos estavam usando trajes simples, sujos e surrados pela longa jornada. Uma cena um tanto mais deprimente e menos inspiradora que a que Pedro Américo retratou. Além disso, conta-se que nosso Imperador estava com uma forte diarreia nesse dia, e, por isso, é provável que ele não estivesse tão disposto como no retrato.
Também há divergências sobre o número de pessoas que acompanharam o evento, que seria muito menor que o mostrado no quadro de Pedro Américo, ou ainda, sobre a presença da casa de pau a pique estampada no fundo da tela, uma vez que os historiadores alegam que o registro mais antigo dela data de 1884. Se não bastassem essas divergências históricas, Pedro Américo ainda foi acusado de ter plagiado a ideia para esse quadro de um outro, chamado 1807, Friedland, de Ernest Meissounier, que retrata a vitória de Napoleão Bonaparte na batalha de mesmo nome.
Pedro Américo se defendeu de seus críticos que o acusavam de falsear os eventos, afirmando que "a realidade inspira, e não escraviza o pintor". Sobre a questão do plágio, nunca saberemos se Pedro Américo realmente se inspirou na pintura de Meissounier, ou se foi uma coincidência. Mas, os dois quadros estão aí - por que você não os analisa e tira suas próprias conclusões?

Nota do blog: Data e autoria não obtidas.

Terraço em Sainte-Adresse, França (La Terrasse à Sainte-Adresse) - Claude Monet

                                           
Terraço em Sainte-Adresse, França (La Terrasse à Sainte-Adresse) - Claude Monet
Sainte-Adresse - França
Metropolitan Museum of Art, Nova York, Estados Unidos
OST - 98x129 - 1867


Nota do blog: Data e autoria não obtidas.